東京都北区にある「お札と切手の博物館」を訪れました。名前から、どこか懐かしい紙ものの展示を想像していましたが、実際に足を運ぶと、そこは「紙に刷られた歴史」だけでなく、「国家が信用を守るための技術史」まで体感できる場所でした。お札や切手は日常的に目にする存在ですが、当たり前すぎて、その背後にある工夫や積み重ねを意識する機会はあまりありません。今回は、紙片のように見えるものが、どれほどの知恵と手間で支えられているかを改めて感じました。 まず一階の展示は、現在のお札を入口にして、偽造防止技術を具体的に学べる構成になっていました。実物のお札を使いながら、マイクロ文字やホログラム、潜像模様、すき入れ（すかし）、凹版印刷、特殊発光インキなどが、どの位置に、どのような意図で組み込まれているのかが分かるように示されていました。知識として聞いたことのある言葉でも、実際に目を近づけたり、角度を変えて眺めたりすることで、「なるほど、こうやって見分けるのか」と腑に落ちます。さらに、識別マークのように、視覚に頼らない配慮が組み込まれている点も印象的で、お札がただの印刷物ではなく、多様な利用者を想定した公共インフラであることを実感しました。 偽造防止の展示は「現代の技術紹介」で終わらず、歴史と連続して語られていたところが良かったです。偽造という“攻撃”がある以上、通貨の側は常に“防御”を更新し続ける必要があります。原版製作の直刻彫刻から、機械彫刻へと精度と再現性が高まっていく流れや、製版技術における転写法や電胎法といった手法の変遷は、「信用を刷る」行為が、職人技と工業技術の両方に支えられてきたことを示していました。凹版印刷のように、触れることで分かる立体感を生む技術は、見た目だけではなく触覚も検証に利用する発想で、単に複雑にすれば良いのではなく、人が確認できる形で複雑さを設計している点に説得力がありました。 また、日本最古の近代印刷機の一つとされるスタンホープ印刷機の実物展示も、目を引く存在でした。お札や切手の世界は、つい「図柄」や「人物」に意識が向きがちですが、実際にはそれらを大量に、同じ品質で、そして安全に刷るための機械が不可欠です。印刷機の存在を目の前にすると、お札や切手は美術品でもあり工業製品でもある、という二面性がはっきりと見えてきました。 二階に上がると、展示は一気に時間をさかのぼ...
東京都新宿区の民音音楽博物館を訪ねました。入口を入ってすぐ、ちょうど2階で古典ピアノの演奏があると案内され、まずはその“生きた展示”から鑑賞することにしました。目の前で紹介されたのは、1840年のシュヴァイクホーファー、1800年のヨハン・フリッツ、1834年のコンラート・グラーフといった、19世紀前後の楽器です。いずれも同じ「ピアノ」という名前で括られてはいても、構造や響きの設計思想は時代とともに大きく変化してきたことが、解説を聞くうちに実感として伝わってきました。由来や特徴を説明したうえで、その楽器が活躍した時代の作曲家の音楽を実際に演奏してくださるため、文字情報だけでは掴みにくい「音の輪郭」や「余韻の質感」が、耳と身体で理解できるのが印象的でした。 その後、一階で自動演奏装置による演奏があると聞き、展示室を移動しました。自動演奏装置といっても、ここではオルゴールやからくり人形（オートマタ）といった、機械仕掛けで音楽を奏でる装置を指しています。オルゴールの「キング・オブ・レジナ」をはじめ、道化師と椅子のオートマタなど、多様な仕組みの“自動の音楽”を聴き比べる時間は、音の歴史が「作曲家と楽器」だけでなく、「技術と娯楽」「都市文化と家庭の楽しみ」とも強く結びついてきたことを思い出させます。人の手を介さずに音が立ち上がる瞬間には、便利さとは別の、どこか魔術めいた魅力が残っていて、当時の人々がこの装置に熱狂した理由が少しわかる気がしました。 再び2階に戻ってからは、企画展「日本のオーケストラのあゆみ」を見学しました。西洋音楽が日本に本格的に入ってきた近代以降、教育や軍楽、放送、劇場文化といった社会の変化とともに、オーケストラがどのように根づき、広がっていったのかを、資料を通じて辿れる構成になっています。楽団という“集団の表現”は、優れた演奏技術だけで成立するものではなく、聴衆の形成や支援の仕組み、演奏会文化の成熟といった土壌が必要です。展示を眺めていると、音楽史が社会史でもあることが、自然と腑に落ちてきました。 館内には民族楽器のコーナーもあり、弦鳴楽器（げんめいがっき）、気鳴楽器（きめいがっき）、膜鳴楽器（まくめいがっき）、体鳴楽器（たいめいがっき）という分類に沿って解説と展示が並びます。分類の枠組みがあることで、遠い地域の未知の楽器でも「どうやって音が生まれるのか」...