東京都新宿区の民音音楽博物館を訪ねました。入口を入ってすぐ、ちょうど2階で古典ピアノの演奏があると案内され、まずはその“生きた展示”から鑑賞することにしました。目の前で紹介されたのは、1840年のシュヴァイクホーファー、1800年のヨハン・フリッツ、1834年のコンラート・グラーフといった、19世紀前後の楽器です。いずれも同じ「ピアノ」という名前で括られてはいても、構造や響きの設計思想は時代とともに大きく変化してきたことが、解説を聞くうちに実感として伝わってきました。由来や特徴を説明したうえで、その楽器が活躍した時代の作曲家の音楽を実際に演奏してくださるため、文字情報だけでは掴みにくい「音の輪郭」や「余韻の質感」が、耳と身体で理解できるのが印象的でした。 その後、一階で自動演奏装置による演奏があると聞き、展示室を移動しました。自動演奏装置といっても、ここではオルゴールやからくり人形(オートマタ)といった、機械仕掛けで音楽を奏でる装置を指しています。オルゴールの「キング・オブ・レジナ」をはじめ、道化師と椅子のオートマタなど、多様な仕組みの“自動の音楽”を聴き比べる時間は、音の歴史が「作曲家と楽器」だけでなく、「技術と娯楽」「都市文化と家庭の楽しみ」とも強く結びついてきたことを思い出させます。人の手を介さずに音が立ち上がる瞬間には、便利さとは別の、どこか魔術めいた魅力が残っていて、当時の人々がこの装置に熱狂した理由が少しわかる気がしました。 再び2階に戻ってからは、企画展「日本のオーケストラのあゆみ」を見学しました。西洋音楽が日本に本格的に入ってきた近代以降、教育や軍楽、放送、劇場文化といった社会の変化とともに、オーケストラがどのように根づき、広がっていったのかを、資料を通じて辿れる構成になっています。楽団という“集団の表現”は、優れた演奏技術だけで成立するものではなく、聴衆の形成や支援の仕組み、演奏会文化の成熟といった土壌が必要です。展示を眺めていると、音楽史が社会史でもあることが、自然と腑に落ちてきました。 館内には民族楽器のコーナーもあり、弦鳴楽器(げんめいがっき)、気鳴楽器(きめいがっき)、膜鳴楽器(まくめいがっき)、体鳴楽器(たいめいがっき)という分類に沿って解説と展示が並びます。分類の枠組みがあることで、遠い地域の未知の楽器でも「どうやって音が生まれるのか」...