旅行記

東京都台東区の国立西洋美術館に行きました。上野の森美術館の「シンシナティ美術館展」を目的に上野公園へ来ていましたが、せっかくなので「テート美術館 ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話」にも足を運ぶことにしました。 2か月ほど前、大阪中之島美術館でフェルメールの《真珠の耳飾りの少女》を見た頃は、ターナーという画家にはまだなじみがありませんでした。それが今回は、事前に作品を調べ、映画まで観てから訪れています。短い間でも、少しずつ興味の向く先が増えているようです。 予習をしていて気になったのは、独特な土色の霧がかかったような絵でした。どこかで見たことがあると思って調べると、美術史のテキストにも登場していました。たくさんの画家が出てくるので名前を覚えるのは難しいですが、あの特徴的な画面は、名前よりも先に記憶に残っていたようです。 暗い部屋で出会ったターナー ターナーは1775年に生まれ、1851年に亡くなった、イギリスのロマン主義を代表する画家です。若くしてロイヤル・アカデミーの正会員となり、風景の中の光や大気を追い続けました。「光の画家」と呼ばれる人の絵を、私はまず「土色の霧」として覚えていたわけです。今回の鑑賞では、その印象がどう変わるのかも楽しみでした。 展覧会の始まりには、暗い部屋が用意されていました。ターナーは自身の画廊に来た客を、作品を見る前に暗い部屋でしばらく待たせたといいます。今回の導入も、その逸話を踏まえたものです。絵を描くだけでなく、見る側の目の状態まで意識していたと思うと、作品の見せ方にも強い関心があったことが伝わってきます。 そこに展示されていたのが、ウィリアム・ホールが版刻した《ターナーの肖像》でした。予習で観た映画『ターナー、光に愛を求めて』では、ターナーは随分と癖の強いおじさんでしたが、こちらは整った顔立ちです。「このイケメンと、映画のあの強烈なおじさんと、どちらが本当なのだろう」と、最初から絵画とは少し違うところが気になってしまいました。 ただ、この版画は若い頃の肖像をもとにしており、映画が描くのは晩年に至る約25年間です。1859〜61年という版画の制作年も、描かれた本人の年齢を示すものではありません。そもそも比べている時期が違っていました。 石の輪とアルプスに感じる自然の力 第1章「はじまりの歩み、英国の風景から」では、中央に置かれ...

東京都台東区の上野の森美術館に行きました。今回の目的は、「シンシナティ美術館展 ～アメリカに渡ったヨーロッパの至宝～」です。 先日、名古屋市美術館で「ゴッホの跳ね橋と印象派の画家たち」を見てきたばかりですが、今回も印象派の前後の流れが分かりやすくまとめられていて、良い復習になりました。前の展覧会で知った画家や言葉がもう一度出てくると、初めて聞いたときよりも少し身近に感じます。それでも、後半になるほど分からないことが増え、会場でも、帰宅後に図録を開いてからも、ずいぶん頭を使うことになりました。 仮面のような目をした肖像画 最初の「芸術家の姿」では、いくつかの肖像画が並んでいました。その中で気になったのが、アメデオ・モディリアーニの《マックス・ジャコブ》（1916～1917年頃）です。 まず、目が黒く塗りつぶされているように見えました。ところが、よく見ると、単なる黒というより背景の壁に近い色にも感じられます。目の部分だけ向こう側が透けているようで、少し不思議な顔です。 図録によると、モディリアーニの細長い顔や幾何学的な顔立ちには、コートジボワールのバウレ族の仮面への関心が反映されているそうです。そう聞いてから見直すと、この目も仮面の穴のように思えてきました。目の描き方が変わるだけで、人の顔がこれほど違って見えるのかと感じます。 モデルのジャコブは詩人であり画家でもあり、ピカソやモディリアーニらと交流した人物です。モンマルトルには「洗濯船（バトー=ラヴォワール）」と呼ばれるアトリエ兼住居があり、そこに集まる芸術家や文学者たちの交流から、新しい表現が生まれていきました。肖像画のモデルを調べると、描いた画家だけでなく、その周囲の人間関係にもつながっていきます。 「見る人を見る」絵が、浮き出してきました 続く「伝統」では、まず「アカデミー」が取り上げられていました。 昔の画家というと、それぞれが自分の力で技術を磨いていく姿を何となく想像していました。しかし、師匠の工房で学ぶ伝統があり、ルネサンス期には美術アカデミーも生まれていたそうです。1563年にはフィレンツェにアカデミーが設立され、フランスでも1648年に王立絵画彫刻アカデミーが創設されました。こうした組織は技術を教えるとともに、古典や歴史を重んじる美術の基準を形づくり、作品の評価にも大きな影響を与えていました。 ここで長...

愛知県名古屋市の名古屋市美術館に行きました。 この日は、名古屋市博物館の特別展「リトアニア ―バルトの森に響く歌―」を目的に、朝から名古屋に来ていました。杉原千畝広場センポ・スギハラ・メモリアルを訪ね、名古屋市博物館で展示を見た後、白川公園にある名古屋市美術館へ移動しました。 お目当ては、「ゴッホの跳ね橋と印象派の画家たち ヴァルラフ＝リヒャルツ美術館所蔵」展です。ドイツのケルンにある美術館のコレクションから、印象派とその前後に活躍した42名の画家による70点が紹介されています。 もともとは東山荘なども訪ねるつもりでしたが、名古屋に行く数日前、Xでこの展覧会の情報が流れてきました。「また、いつもの一瞬しか見られないやつかな」と思いつつ、やはりゴッホの名前には釣られます。予定を組み替えて、見に行くことにしました。 美術館の前に着くと、そこには一時間待ちの長い列が……ありませんでした。 人が少ないわけではありませんが、ロッカーも使えますし、一つひとつの作品を正面や少し横から、落ち着いて見ることができます。名古屋だからなのか、ほかの会場を巡回した後だからなのか、理由は分かりません。ただ、この日はとても快適に鑑賞できました。 今後、各地を巡回する展覧会は、東京以外の会場で見ることも積極的に考えようと思います。その土地の博物館や美術館、史跡を訪ねるきっかけにもなりますし、今回のように作品の前でゆっくり考えられるなら、旅と組み合わせる楽しみが増えます。 ほとんどの作品が撮影可能だったことも、ありがたい点でした。写真を残せるだけでなく、iPhoneのカメラをズームして、細かな筆づかいや描き込まれたものを確かめられます。全体を見て、細部を見て、もう一度全体に戻る。その行き来を楽しめる会場でした。 展示は、印象派以前からバルビゾン派、印象派、ポスト印象派、点描派、そして20世紀の色彩画家へと続きます。有名な画家の作品を一枚ずつ見る楽しみに加えて、美術史の流れをたどれる構成は、今の僕にとても合っていました。 「印象派以前」から、早くも分からなくなります 最初の章は「印象派以前」です。 僕の印象派に対する理解は、かなり大ざっぱなものでした。全体を見ると何が描かれているか分かるのに、拡大すると輪郭がぼんやりしている。まずは、そんな印象を持っていました。 会場では、刻々と変わる光景をその場で...

東京都港区の21_21 DESIGN SIGHTに行きました。 この日は「ルーヴル美術館展 ルネサンス」を見るために国立新美術館を訪れ、その後、サントリー美術館、泉屋博古館東京と、美術館をはしごしました。まだ少し時間があったので、東京ミッドタウンに戻り、最後に立ち寄ったのが21_21 DESIGN SIGHTです。訪れたときには、企画展「方丈記に学ぶ –生きるを編み直す小さな建築–」が開催されていました。 聞いたことはあっても、知らなかった『方丈記』 『方丈記』という名前は、もちろん聞いたことがあります。ただ、誰が書いたのかと聞かれると、答えられません。作者が鴨長明だと知って「あぁ」と思い、さらに「ゆく河の流れは絶えずして、しかももとの水にあらず。」という冒頭の一節を見て、また「あぁ」と思いました。 『方丈記』、鴨長明、そして「ゆく河の流れは」という文章。どれも耳にしたことはあるのに、自分の中では、ばらばらの知識になっていました。知っているつもりのものでも、少し確かめてみると、実は名前に覚えがあるだけだったりします。 『方丈記』は、鎌倉時代初期の1212年に書かれた随筆です。題名にある「方丈」は一丈四方のことで、およそ三メートル四方、約九平方メートルという小さな空間を指します。長明は京都の日野山に構えたその庵で暮らしながら、世の無常や、自分の住まいと生き方について書きました。 ただし、最初から静かな山暮らしに憧れて書かれた、気楽な隠居生活の記録というわけではありません。その背景には、度重なる災害や飢饉、遷都、そして人間関係の悩みがありました。変わらないと思っていた暮らしが、いつまでも続くとは限らない。その不確かさを前にして、何を頼りに生きればよいのかという問いがあったようです。そう考えると、八百年以上前の随筆も、ずいぶん現代に近づいてきます。 今回の展覧会は、その『方丈記』を古典文学として詳しく解説するというより、小さな庵を出発点に、現代の暮らしを考える企画です。建築家やデザイナー、美術家たちが、それぞれの「方丈の庵」を構想しています。僕の目には現代アートの展示として映りましたが、建築やデザインを通じて、生き方そのものを問い直そうとするものなのでしょう。 小さな住まいに、それぞれの人生 会場で興味を持ったのが、「方丈巡礼」として紹介されていた、小さな住まいに身を置い...

東京都港区の泉屋博古館東京に行きました。「ルーヴル美術館展 ルネサンス」を見るために国立新美術館を訪れ、その後、サントリー美術館を経て、こちらへ来ました。この日開催されていたのは、特別展「没後100年記念 住友春翠―仕合せの住友近代美術コレクション」です。 サントリー美術館では、阪急東宝グループの創業者で、「逸翁」と号した小林一三のコレクションを見てきました。続いて、こちらでは住友家の住友春翠です。同じ日に二人の実業家の美術品を見たことで、作品そのものだけでなく、それを集めた人が何を考え、美術とどのように関わっていたのかにも、自然と目が向きました。 個人の楽しみから、社会に残る財産へ 春翠は、住友家第15代当主の住友吉左衞門友純の号です。1864年に公家の徳大寺家に生まれ、西園寺公望を兄に持ち、住友家には婿養子として入りました。家業の近代化を進める一方で、美術品の収集や芸術文化の支援にも力を注いだ人物です。今回の展覧会は、1926年に亡くなった春翠の没後100年を記念したものでした。 第1章は「ノブレス・オブリージュの目覚め」です。春翠は1897年に約8か月にわたる欧米視察を行い、企業経営だけでなく、実業家による社会貢献のあり方にも触れました。美術を自分の邸宅で楽しむことと、それを社会に役立てることが、彼の中では次第につながっていったようです。 美術館や博物館を巡っていると、個人が建てた施設や、個人のコレクションを基礎にした展示によく出会います。普段は作品の名前や作者を中心に見ていますが、その作品が今ここにあるまでには、誰かが買い求め、大切に保管し、次の人へ引き継いだ時間があるのだと、改めて感じました。 そこで、仕事でも身近な現代のIT業界の富裕層のことを、少し考えました。少なくとも私が普段接する情報の中では、こうした美術館やコレクションの話は、それほど目に入りません。ただ、自分が知らないだけかもしれませんし、百年後に残ったものを見ている私たちが、現在とそのまま比較することもできません。 今は高級車や腕時計、宝石として個人に楽しまれている品々も、いつか、その時代の技術や美意識を伝える展示品になるのかもしれません。現在の私たちが「贅沢な趣味」と見るものと、未来の人が「貴重な文化資料」と見るものは、必ずしも別ではないのでしょう。大切なのは、何を所有したかだけでなく、それ...

東京都港区のサントリー美術館に行きました。国立新美術館で「ルーヴル美術館展　ルネサンス」を見た後、東京ミッドタウンへ移動してきました。以前、ミッドタウンで仕事をしていたので、美術館の存在は知っていましたが、実際に入るのは、おそらく初めてです。 このとき開催されていたのは、「逸翁美術館コレクション　蕪村・呉春と茶の湯の名品」でした。最初は「逸翁」が何を意味するのか分かりませんでしたが、入口の説明を読んで、阪急東宝グループの創業者、小林一三の雅号だと知りました。逸翁美術館は、そのコレクションをもとに昭和32年（1957）に大阪府池田市に設立された美術館です。小林一三の名前も今回初めて知りましたが、明治時代の起業家に興味がある自分にとって、美術品とともに一人の実業家の生涯に出会う機会になりました。 第1章の「古筆と経巻」では、まず古筆切が紹介されていました。古い巻物や冊子から、優れた筆跡の一部分を切り取ったもので、掛軸に仕立てたり、手鑑と呼ばれる帖に貼ったりして鑑賞してきたそうです。少し前に東京国立博物館の本館でも、似たようなものを見た気がしました。帰宅後に調べてみると、そちらは絵巻の一部分である「断簡」でした。古筆切も断簡の一種なので、もとの書物の一部を独立した作品として楽しむという点で、つながっていたことになります。 小野道風の筆と伝わる、平安時代の《継色紙「あまつかぜ」》では、紙のつなぎ目も含めて一つの掛軸になっていることが気になりました。もとは冊子の見開き二枚に、一首の和歌を散らして書いたものだそうです。継ぎ目で分けるのではなく、左右の紙と余白を合わせた姿に意味があったのだと分かりました。書の鑑賞には、文字の形だけでなく、紙面のどこに書き、どこを空けるかという楽しみもあるようです。 伝藤原公任筆の《石山切 伊勢集「ぬきためて」》は、一見すると、何か汁物でもこぼしたように見えました。ところが、これは紙を破って継ぎ合わせる「破り継ぎ」という技法によるものでした。不規則な境目も、料紙の装飾の一部なのです。何も知らずに見たときの印象が、説明を一つ知るだけで変わっていきます。平安時代の書を読むのはまだ難しいですが、紙そのものにも鑑賞の入口があることを教えてもらいました。 鎌倉時代の《伊勢物語下絵梵字経断簡》も、最初は文字の間に墨が飛び散っているように見えました。よく見ると、...

東京都港区の国立新美術館で、「ルーヴル美術館展 ルネサンス」を見てきました。 今回は日時指定のチケットではなかったため、そこまで混雑しないだろうと、少し甘く考えていました。しかし、10時の開館ごろに到着すると、すでに長い列ができていました。入館してからも、作品の前には分厚い人だかりがあり、近くでじっくり見られるものはほとんどありませんでした。 レオナルド・ダ・ヴィンチの《美しきフェロニエール》以外は自由に鑑賞できるとはいえ、自由に動けることと、作品がよく見えることは別です。楽しみにしていた展覧会だっただけに、鑑賞環境には残念さが残りました。そのため、ここから書く感想の多くは、会場で十分に見られなかった作品を、後から図録で見直して気づいたことです。 「旅」が運んだ、見知らぬ世界と絵画の技法 第1章のテーマは「旅」でした。1500年ごろのヨーロッパについて説明されており、最初に大きな《ヴェネツィア共和国の使節団を迎えるダマスクス総督》が展示されていました。その後には、旧約聖書の「ヨブの物語」と「ロトの物語」を装飾に取り入れた天文機器などが続きます。 ここでいう旅は、名所を訪ねることだけではありません。15世紀から16世紀には、交易や外交、学問、芸術家の修業などを通じて、人や物が行き来していました。その移動に伴って知識や技法も伝わり、ルネサンスの美術が育まれていったのです。巨匠がそれぞれの場所で作品を生み出した、というだけでは見えてこない時代の姿です。 アルブレヒト・デューラーの《サイ》は、会場では「サイの絵か」ぐらいにしか思いませんでした。しかし、図録を読んでみると、この作品の背景には、当時のヨーロッパの人々にとって大きな出来事がありました。1515年、インドから運ばれたサイがリスボンに到着したのです。ヨーロッパでは長い間、生きたサイを見る機会がなく、その姿を伝える報告が各地に広まりました。デューラー自身は実物を見ておらず、伝えられた記述や、素描も手がかりにしたと考えられています。 図録ではヴァレンティン・フェルナンデスの記述が紹介されていました。見たことのない動物を、これだけサイらしく描けるデューラーにも驚きますが、その姿を言葉で伝えた人の観察力や記述力にも感心します。写真を送ることのできない時代には、何をどう説明すれば相手に伝わるのか、今以上に工夫する必要があったの...

東京都台東区の東京藝術大学大学美術館に行きました。 今回の目的は、展覧会「藝大式 美術の“ミカタ”―この夏、藝大生になる―」です。東京藝術大学の講義を体験するような構成になっており、1限目から12限目まで、それぞれ異なるテーマで美術を学んでいきます。2026年から2028年まで毎夏開催されるシリーズの第1回で、東京藝大の教員による講義を、美術館の展示として体験するという面白い試みです。 1限目は「まねぶ美術館」でした。「学ぶ」の語源の一つとして「真似ぶ」が挙げられるように、ここでは模写を通して美術を学ぶことがテーマになっていました。 黒田清輝が模写したレンブラントの《トゥルプ博士の解剖講義》などが展示されていましたが、特に印象に残ったのは、実際に学生たちが会場で模写をしていたことです。「現在8日目」「現在11日目」といった表示があり、一つの作品を模写するために想像以上の時間をかけていることに驚きました。 美術というと、才能のある人が感覚的に描くものという印象を持ちがちですが、模写は作品の構図、色彩、筆遣いなどを一つずつ分析し、自分の手で再現していく学習方法でもあります。作品を見るだけでは気づかないことを、作る側に回ることで理解していくのでしょう。 2限目は「西洋美術に出会った日本」です。 幕末から明治にかけて、日本では西洋画の技法が本格的に学ばれるようになります。展示には、幕末に来日したイギリス人画家チャールズ・ワーグマンや、日本の初期洋画家たちに関する作品が並んでいました。 ここで五姓田という名前を見て、少し前に横浜美術館で作品を見た渡辺幽香を思い出しました。渡辺幽香は初代五姓田芳柳の娘で、五姓田義松の妹です。義松はワーグマンから西洋画を学んだ人物でもあり、五姓田家は日本の洋画黎明期に重要な役割を果たしました。 横浜美術館では女性画家の活躍という観点から渡辺幽香を見ましたが、今回は、その父や兄を含めた日本の洋画受容の歴史の中で五姓田家を見ることになりました。同じ人物や時代を別の博物館、美術館で違う角度から見ることで、少しずつ知識がつながっていきます。まだ美術を学び始めたばかりですが、このような瞬間はなかなか楽しいものです。 3限目は「東京藝大で教わる西洋美術の見かた」で、ラグーザ玉が取り上げられていました。 「ラグーザ」と聞いたとき、最初にシチリア島の都市ラグーザ...