神奈川県横浜市の横浜美術館に行きました。
この日は「マリー・アントワネット・スタイル」展を見るために朝から横浜美術館を訪れました。企画展を見終えた後は、そのままコレクション展へ向かいました。
今回のコレクション展では、「海をこえてゆく彼女」というテーマで、国境を越えて活動した女性画家や美術家たちが紹介されていました。
最初の「家族とともに」では、明治時代から海外の文化と接した日本の女性画家たちが取り上げられていました。
渡辺幽香は、洋画家の五姓田芳柳を父に、五姓田義松を兄に持つ画家です。明治時代は西洋の技術や文化が急速に日本へ入ってきた時代で、美術の世界でも、それまでの日本画とは異なる西洋の写実表現が学ばれるようになりました。
展示されていた《白衣婦人像（仮題）》も、最初に見たときは普通の西洋画の人物像のように思えました。ドレスを着た女性が細かいところまで写実的に描かれています。
ところが、この作品は油絵ではなく、絹に描かれた作品でした。展示では額に入っていたので気付きませんでしたが、日本画の材料を使いながら西洋風の女性像を描いていることになります。西洋の技法を学び始めた明治時代らしい、日本と西洋の境界にあるような作品なのが面白いところでした。
岡村政子は石版画家として活動した女性で、石版印刷会社の信陽堂を開業しています。《おかる》など、和服姿の女性を描いた作品が展示されていました。
現在では画家が自分で作品を制作することは当たり前に思えますが、明治時代の女性が職業として美術に関わること自体、現在とはかなり状況が違っていたはずです。さらに印刷会社まで経営していたという経歴を見ると、単に「女性画家」というだけでは収まらない人物だったことが分かります。
吉田ふじをは海外にも渡り、《パリ シャンゼリゼ》などの作品を残しています。
現在なら海外旅行で観光地を訪れ、気に入った風景を描くことも珍しくありませんが、明治時代に日本からヨーロッパへ渡ることは、今とは比較にならないほど大きな出来事だったはずです。描かれているパリの風景そのものだけではなく、日本人女性が海を越えてその場所に立っていたということまで考えると、今回の「海をこえてゆく彼女」というテーマがよく分かりました。
続く「交差するまなざし」では、今度は反対に、海外から日本やアジアへやって来た女性画家たちが紹介されていました。
アメリカ出身のヘレン・ハイドは日本で日本画や木版画を学んだ画家です。《かたこと》などが展示されていましたが、僕のような素人が見ると、ほとんど日本の木版画そのものに見えました。
西洋の画家が日本を題材に描いた作品というと、どこかに西洋的な表現が残っているのではないかと思ってしまいます。しかし、ヘレン・ハイドの場合は日本の技法そのものを学んでいるため、作者を知らずに見れば日本人が作った作品だと思ってしまいそうでした。
同じくアメリカ出身のバーサ・ラムも日本を何度も訪れ、木版画を学んだ人物です。
《海の精》では、大きくせり上がる水が描かれていました。その形は北斎の描く波を思わせます。
最初は着物姿の女性が「海の精」なのかと思いました。しかし、よく見ると波そのものが複数の人間のような姿によって構成されています。もしかすると、こちらが海の精なのかもしれません。
日本の浮世絵のようでありながら、どこか幻想的で、少し現代美術にも近い雰囲気があります。今回見た作品の中でも印象に残った一枚でした。
オーストラリア出身のエマ・ボーマンは、独学で木版画を学んだ画家です。《日光、鐘楼》など、日本の風景を題材にした作品が展示されていました。こちらは日本の木版画として素直に楽しめる作品でした。
一方、マリア・ファーラはフィリピン生まれですが、幼少期を日本で過ごし、その後イギリスで美術を学んだという経歴を持っています。
欧米から日本を訪れて日本美術を学んだ他の画家たちとは少し違い、日本と海外のどちらか一方に属するというより、最初から複数の文化の間を行き来してきた人物と考えた方がよさそうです。
展示されていた《ルームサービス》は三点一組の非常に大きな作品でした。
ホテルの部屋へルームサービスを届ける女性スタッフが描かれています。宿泊客そのものは描かれていませんが、室内にはハイヒールがあり、ここにも女性がいることが暗示されているようでした。
一見すると日本的な要素はほとんどありません。しかし、よく見ると中央の作品の奥には鶴が描かれています。分かりやすく日本を描くのではなく、異なる文化の記憶が作品の一部に紛れ込んでいるようにも見えました。
第3章の「それぞれの航路」に入ると、雰囲気は大きく変わりました。
第二次世界大戦後、日本では海外へ出て活動する美術家が増えていきます。高度経済成長期を迎えた1964年には観光目的の海外旅行も自由化され、人々にとって外国はそれまでより身近な存在になっていきました。
同時に美術も、人物や風景を写実的に描くものだけではなくなっていきます。
ここからは、僕にとってかなり難しい現代美術の世界でした。
桂ゆきの《飛ぶ》には、白い馬のようにも、人のようにも見えるものが描かれています。箒の先のようなものが羽根にも見えるので、天馬なのかもしれません。
画面の上には砂漠のような場所があり、中央には太陽や海、森のような自然が広がっています。ところが下の方には、新聞紙や切手のようなものがごみのように散らばっています。
上から下まで一つの場所を描いているのではなく、異なる世界が重ねられているようでした。タイトルが《飛ぶ》なので、これらの世界を飛び回っている姿なのかもしれません。
もちろん正解なのかどうかは分かりません。しかし、何が描いてあるのか分からない作品でも、タイトルや画面の中の手掛かりを拾いながら自分なりに考えてみると、少し楽しめるようになってきました。
榎本和子の《記憶の時》は、さらに難しい作品でした。
赤や黄色などの色面が幾何学的に配置されているように見えますが、きれいな図形として区切られているわけでもありません。「記憶」というタイトルから何かを想像しようとしても、僕には結局よく分かりませんでした。
現代美術を見ていると、こういう作品にたびたび出会います。何となく分かったようなことを書くことはできますが、本当に何も分からなかった作品については、「分からなかった」という感想もそのまま残しておこうと思います。
そんな中で少しホッとしたのが、福田美蘭の《山水画》でした。
一見すると普通の山水画です。
ところが、よく見ると山々の上をボーイング787が飛んでいました。
伝統的な山水画の世界に現代の旅客機が突然入り込んでいます。古典的な絵を見る感覚で眺めていると、現代の巨大な機械が何事もなかったかのように空を横切っています。
昔の山水画を現在の風景として描けば、確かに空を旅客機が飛んでいても不思議ではありません。難しい作品が続く中でも、これは仕掛けが分かると面白く感じられる作品でした。
最後の章は「ヴェネチア・ビエンナーレという舞台」でした。
ヴェネチア・ビエンナーレは世界を代表する国際美術展の一つです。日本は戦後の1952年から公式参加し、1956年にはヴェネチアに日本館も完成しました。美術家にとって海外で作品を発表することが特別だった時代から、世界の美術界そのものを舞台に活動する時代へと変わっていったことが、この展示の流れからも感じられます。
ここでは草間彌生の《南瓜》や、やなぎみわの《案内嬢の部屋 B3》などが展示されていました。
第1章の明治時代の女性たちから見ていくと、同じ「海をこえる」という言葉でも意味が大きく変化していることが分かります。
最初は家族などの限られた環境の中で西洋美術を学び、やがて女性自身が海外へ渡るようになります。逆に海外から日本へ来て日本美術を学ぶ女性たちも現れます。そして戦後になると、美術家たちは世界中を移動しながら作品を作り、最終的にはヴェネチア・ビエンナーレのような国際美術界そのものを活動の舞台にしていきます。
「海をこえてゆく彼女」という題名は、単に外国へ旅行した女性たちを集めた展示ではなく、近代から現代にかけて美術家が活動できる世界そのものが広がっていった歴史を表しているようでした。
特集展示とは別に、横浜美術館のコレクションを代表する作品も展示されていました。
ピカソやルネ・マグリット、サルバドール・ダリなど、有名な作家の作品が並んでいます。
特に驚いたのが、ダリの《ヘレナ・ルビンシュタインのための装飾壁画》でした。
巨大な三点の作品で、化粧品事業で成功したヘレナ・ルビンシュタインの人生を表した連作です。
以前ロンドンのナショナル・ギャラリーへ行ったとき、日本で見る西洋絵画よりもずっと大きな作品が多いことに驚いた記憶がありますが、この三作品もそれに近い迫力がありました。
中央には巨大な人物が描かれています。
最初は男性だと思いました。脚が非常に筋肉質で、巨大な身体で大地を踏みしめています。しかし、ヘレナ・ルビンシュタインは女性です。あらためて見ると、雲と一体化した上半身には女性的なところもあります。
この中央作品では、ヘレナの事業家としての成功が巨大な人物として表現されています。写実的な肖像として描くのではなく、一人の女性の成功そのものを神話的な巨人のような存在にしてしまうところが、いかにもダリらしい作品でした。
ルネ・マグリットの《王様の美術館》は、おそらく以前どこかの本で見たことがある作品でした。
山高帽をかぶった人物の輪郭があり、目、鼻、唇だけがはっきり描かれています。
ところが、よく見ると身体の部分には森や山の風景が広がっています。人物の中に風景があるのか、それとも風景の中に人物の輪郭だけが浮かんでいるのか、見ているうちに前後関係が分からなくなってきます。
中央には小さな建物があります。《王様の美術館》というタイトルなので、最初はこの建物が美術館なのだと思いました。しかし人物の後ろにも塀のようなものがあり、球形のオブジェまで置かれています。
すると、この人物が立っている場所そのものが美術館なのかもしれません。
マグリットの作品には、見慣れたものを組み合わせながら、現実にはありそうであり得ない世界を作り出すものが多くあります。この作品も、一つ一つの要素は理解できるのに、それらを組み合わせた瞬間に何を見ているのか分からなくなる不思議な絵でした。
今回のコレクション展は、前半と後半でかなり印象が違いました。
前半では、海外へ出ていこうとする日本の女性画家と、逆に日本に強い関心を持ってやって来た海外の女性画家が交差していました。日本と西洋の技法が混ざり合っていく過程も分かりやすく、美術史として非常に興味深い展示でした。
ところが戦後になると、国境を越えること自体が特別ではなくなり、作品も急速に現代美術へ入っていきます。
興味深い作品もありましたが、まだ僕には難しいものもかなりありました。
ただ、「何が描いてあるのか分からない」で終わるのではなく、《飛ぶ》では画面の中の世界を考え、《山水画》では飛行機を発見し、《王様の美術館》では人物と風景の関係を考えることができました。
少し前なら現代美術を見ても「よく分からない」で通り過ぎていたと思います。
分からないなりに立ち止まって考えるようになっただけでも、美術を見る目は少しずつ変わってきているのかもしれません。
企画展の華やかなマリー・アントワネットの世界とはまったく異なる展示でしたが、近代から現代まで、海を越えて人や文化が移動することで美術が変化していく歴史を見ることができました。
横浜美術館を出るころには午後になっていました。外は雨でした。次は日本大通り方面へ移動し、横浜都市発展記念館に向かいました。
旅程
東京
↓（東京メトロ副都心線/みなとみらい線）
みなとみらい駅
↓（徒歩）
横浜美術館（「マリー・アントワネット・スタイル」展 / コレクション展）
↓（徒歩）
みなとみらい駅
↓（みなとみらい線）
日本大通り駅
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横浜都市発展記念館
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横浜ユーラシア文化館
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ニュースパーク
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日本大通り駅
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