東京都台東区の東京都美術館に行きました。今回は、東京都美術館開館100周年記念として開催されている「大英博物館日本美術コレクション 百花繚乱～海を越えた江戸絵画」を見ることが目的です。
大英博物館というと、エジプトやギリシア、メソポタミアなど世界各地の文化財を所蔵している博物館という印象が強いですが、日本美術についても約4万点に及ぶ大規模なコレクションを所蔵しています。今回の展覧会では、そのなかから江戸時代の絵画や浮世絵を中心に紹介されていました。
展覧会のプロローグは「大英博物館と『日本』をつないだ貢献者たち」です。オーガスタス・ウォラストン・フランクス、ウィリアム・アンダーソン、ウィリアム・ガウランド、アーサー・モリソン、ローレンス・ビニョンという、日本美術コレクションの形成に大きな役割を果たした5人が紹介されていました。
興味深かったのは、全員が最初から日本美術を専門にしていたわけではないことです。アンダーソンは外科医としてお雇い外国人となり、日本滞在中に絵画を収集しました。ガウランドも造幣局で働くために来日した技術者でしたが、日本の古墳を研究し、現在では「日本考古学の父」とも呼ばれています。一方、フランクスやビニョンは大英博物館の学芸員として、こうした収集家のコレクションを博物館へ受け入れることに重要な役割を果たしました。
明治時代は、日本美術にとって大きな転換期でもありました。明治政府による神仏分離と、それに伴って広がった廃仏毀釈のなかでは、多くの仏教関係の文化財が失われたり、寺院から離れて各地へ散逸したりしました。一方で、開国後の欧米では日本美術への関心が高まり、多くの作品が海外へ渡っていきました。
文化財が国外へ流出したことを単純に良いこととは言えませんが、その結果として海外の博物館や収集家のもとで保存され、現在まで残った作品もあります。日本で価値を失いかけていたものを外国人が熱心に集めていた時代があったことを考えると、大英博物館の日本美術コレクションそのものが、近代日本の歴史を物語る存在のようにも感じました。
第1章は「花開く江戸絵画」で、「江戸時代以前」「江戸時代前期」「江戸時代中期から後期、そして明治へ」という流れで、日本絵画の変化をたどっていきます。
「江戸時代以前」で特に印象に残ったのが、桜井香雲による《法隆寺金堂壁画 九号壁 模本》です。法隆寺金堂の壁画は1949年の火災によって大きな損傷を受けましたが、この模本はそれ以前の1880年に制作されたものです。外交官アーネスト・サトウの依頼によって制作され、後に大英博物館へ渡ったもので、現在では焼損前の壁画を知る資料としても貴重な存在です。
「模本」と聞くと、本物より価値の低いコピーのように感じてしまうことがあります。しかし、原本が失われたり損傷したりした場合、正確な模写そのものが歴史資料になります。今回の作品は、まさにその代表的な例でした。他にも《猿草子絵巻》などが展示され、江戸時代へつながっていく日本絵画を見ることができました。
「江戸時代前期」で面白かったのが、奈良県桜井市の談山神社に関係する一連の襖絵です。
狩野宗眼重信による《秋冬花鳥図襖》をはじめ、《春景花鳥図襖》《名所風俗図襖》《琴棋書画仙人図襖》などが集められていました。これらはもともと談山神社にあった学頭屋敷「竹林坊」を飾っていた襖絵で、明治維新後に散逸し、現在では大英博物館、シアトル美術館、青森県の宮越家など別々の場所に所蔵されています。今回、約150年ぶりに一堂に集められました。
ここは展示室の中で唯一撮影できる場所だったこともあり、かなりの人だかりができていました。そのため館内ではゆっくり見ることができなかったのですが、帰宅後に図録の配置図を見直してみると、襖絵が単に横一列に並べられていたのではなく、かつて部屋の中に配置されていた関係を意識して展示されていたことに気が付きました。
特に《秋冬花鳥図襖》と《春景花鳥図襖》は、岩や水辺、飛ぶ雁などの描写につながりがあることが近年の調査で明らかになっています。
また、《琴棋書画仙人図襖》は《秋冬花鳥図襖》の反対側に描かれていた作品で、1930年代に表裏が分離されたものだそうです。
美術館では普通、一つ一つの作品に注目して鑑賞します。しかし襖絵は、本来は建築の一部です。部屋のどこに置かれ、向かい側や裏側にどのような絵があり、見る人が部屋を移動するとどのように景色が変化したのかまで考えることで、本来の作品の姿が見えてきます。西洋絵画とはまた違った日本美術の面白さを感じた展示でした。
「江戸時代中期から後期、そして明治へ」では、尾形光琳の作と伝えられる《松島図屏風》など、多くの作品が展示されていました。私は浮世絵以外の江戸絵画についてはまだ勉強不足で、作者を知らない作品もかなりありました。それでも、桃山時代から江戸時代を経て明治へ向かうなかで、日本絵画の画題や表現が変化していく様子を見ることができました。
そして第2章は「浮世絵―江戸の『いま』を映す万華鏡」です。
最初は「肉筆浮世絵」で、喜多川歌麿の《文読む遊女》などが展示されていました。浮世絵というと木版画を思い浮かべますが、浮世絵師は肉筆画も制作しています。版木から多数を刷ることのできる版画とは異なり、肉筆画は基本的に一点物です。そのため、版画とは異なる富裕な注文主を対象とした作品でもありました。
《文読む遊女》は現存する歌麿の肉筆画のなかでも大きな作品の一つで、2011年に新たに発見されたものだそうです。
続く「錦絵～八大浮世絵師～」では、鈴木春信、鳥居清長、喜多川歌麿、東洲斎写楽、初代歌川豊国、葛飾北斎、歌川広重、歌川国芳という8人が大きく取り上げられていました。美人画、役者絵、風景画、武者絵など、現在「浮世絵」と一括りにしているもののなかにも多様なジャンルがあり、それぞれの時代に人気を集めた絵師たちがいたことが分かります。今回の展覧会では、この8人を中心に100件以上の浮世絵版画が展示されています。
浮世絵は、当時の江戸の人々にとっては必ずしも「美術館で静かに鑑賞する芸術」ではありませんでした。人気役者や美人、名所、物語などを描き、大量に刷られて販売された、現代の写真集や雑誌、ポスター、ブロマイドにも近い大衆文化でした。そのような江戸の「いま」を描いた作品が、19世紀になるとヨーロッパへ大量に渡り、西洋の画家や収集家を魅了していくことになります。
今回の展覧会を見ていると、「日本美術を見る」というだけではなく、日本から海外へ渡った作品が、誰によって集められ、どのように保存され、再び日本へ帰ってきたのかという、作品そのものとは別の歴史も見えてきました。
特に談山神社の襖絵は、本来一つの建物にあった作品が青森、ロンドン、シアトルへ分かれ、約150年を経て再び同じ場所に並んでいます。文化財には、制作された時代の歴史だけではなく、その後どのような運命をたどったのかという歴史もあるのだと感じます。
展示作品は想像していた以上に多く、さらに館内もかなり混雑していたため、一つ一つを十分に理解しながら見ることはできませんでした。ただ、今回は図録も購入しました。美術史を勉強してから美術館を見ると、現地では気付かなかった作品同士の関係や、画題、配置の意味が後から分かることがあります。
今回も、談山神社の襖絵の配置に帰宅後になって気付いたように、展覧会を見たところで鑑賞が終わるのではなく、図録を読みながらもう一度作品を見直すところまで含めて楽しめそうです。海を越えて大英博物館へ渡った日本美術が、どのような歴史を経て現在まで残されてきたのか、これから改めてじっくり学んでみたいと思います。
旅程
上野広小路駅
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「弥生式土器ゆかりの地」碑
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東大前駅
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